Historique des expositions

Une relation forte

Depuis plus de 20 ans, le Frac Centre-Val de Loire œuvre à la diffusion et à la reconnaissance internationale de Guy Rottier. Les travaux et la philosophie de cette personnalité inclassable avaient déjà fait l’objet d’une exposition majeure à l’occasion de la première édition de la Biennale d’Architecture d’Orléans en 2017. Riche de plus de ses 150 œuvres, la collection du Frac Centre-Val de Loire fait la part belle à ce créateur révolutionnaire et imaginatif. Afin de diffuser et de partager l’importance des travaux de Guy Rottier dans l’histoire de l’architecture, le Frac Centre-Val de Loire vient d’éditer un catalogue disponible dans sa librairie.

Une personnalité extraordinaire

Espiègle, fantasque et libre, Guy Rottier a défendu sa vie durant une approche de l’architecture plus joueuse que divertissante, plus enfantine que puérile, défiant toutes les lois – celles de la tradition comme celles de la gravité – pour instiller dynamisme et mouvement dans l’ordre trop sclérosé de ce monde. Auteur d’une œuvre multiple et étonnante, il entendait renouveler radicalement le langage architectural au même titre que les modes d’habiter. Son style insolite, fulgurant et sans compromis fait dialoguer art et architecture, technique et poésie au travers de dessins, de maquettes ou encore de photographies. Organisée autour de 5 thématiques : l’architecture de loisirs ; le territoire niçois ; la nouvelle architecture de terre ; l’architecture éphémère et de récupération ; et l’architecture en liberté, l’exposition invite les visiteurs à déambuler au travers des idées les plus innovantes de l’architecte.

Une réflexion écologique

Au-delà de son aspect ludique, l’œuvre de Guy Rottier est investie par une profonde préoccupation écologique. Par ses réalisations, l’architecte interroge notre manière d’habiter le monde d’aujourd’hui et prend part aux débats récents autour de l’éco-architecture et de l’économie circulaire. Il repense l’urbanisme balnéaire des années 1970 en alliant le respect des sites littoraux à la liberté de s’émouvoir des paysages et préfigure les problématiques de la ville durable à travers « la nouvelle architecture de terre ». Il formule aussi l’idée d’une architecture de récupération dans Cité de vacances à brûler après usage (1969) et dans l’œuvre Village autobus (1968) qui entend réhabiliter des objets obsolètes en volumes habitables.

Collection : Guy Rottier

Publication : Guy Rottier, architecture de l’errance
271 pages
Co-édition Frac Centre-Val de Loire et Lienart éditions
Disponible en librairie

L’accueil de cette exposition est dans la filiation des nouvelles orientations du Frac Centre-Val de Loire, une lecture de l’architecture à l’heure de la « Peau fragile du monde » pour le dire avec Jean-Luc Nancy. L’exposition donne à voir une architecture qui pense la proximité devenue, après le séisme de Kobe en 1995 et celui de l’est du Japon en 2011, l’unique manière de penser une architecture attentive au monde. Comment l’architecture peut-elle faire attention, prêter attention ou encore porter à l’attention ? C’est en cela que la parole s’invite dans le titre de l’exposition et dans son parcours.

Mais il est aussi question de découvrir les tentatives répétées d’agir directement sur le métier d’architecte et sur les typologies du bâti avec la présentation, pour la première fois, des catalogues de villas et la production de nouvelles maquettes avec la collaboration des membres du groupe.

Pour mettre au jour l’importance conceptuelle de Superstudio, un étage entier est consacré à un paysage européen de l’architecture radicale à partir de la collection du Frac Centre-Val de Loire. Ce dialogue est d’une part, une mise en contextualisation historique, d’autre part, une mise en question révélatrice de l’œuvre de Superstudio dans la scène architecturale contemporaine.

Collection : Superstudio

Ressources

Développée depuis 2008 par Antonas, architecte et philosophe, l’œuvre est née d’une lecture de la pensée défendue par le philosophe slovène Slavoj Žižek dans son ouvrage Violence: Six Sideways Reflections (2008). Dans son livre, l’auteur invite à résister à toute forme d’engagement dans le monde et à s’en retirer pour établir une distance critique. Aristide Antonas considère quant à lui cette forme de « repli sur soi » non pas comme une posture héroïque de résistance mais bien comme le fondement de notre rapport actuel au quotidien et au réel.

The House for Doing Nothing dessine sur le mode du récit et de la fiction le cadre de vie de ce protagoniste – héros ou simple homme du commun. À l’ère de l’hyperconnectivité, la condition domestique est désormais traversée par une forme de paradoxe : « être chez soi » revient en même temps à être connecté au monde. L’individu n’y est plus isolé de la sphère publique. Au contraire, c’est ce repli sur soi qui vient désormais structurer la sphère sociale. La maison est devenue une interface mêlant sphère privée et sphère publique, et où se révèle la crise profonde traversée par les notions traditionnelles de « soi », de « communauté » et de «société».

C’est cette nouvelle nature de la maison – et donc de l’Homme – qu’Aristide Antonas entend interroger avec The House for Doing Nothing, en questionnant le rôle, voire la responsabilité politique de la condition domestique.

L’exposition est introduite par Ecosystéma de Miguel Palma. Cette installation révèle les tensions entre cycles et recyclages entre l’environnement, l’industrie et l’être humain. Plus loin, Indépendance Tchao de Kader Attia s’annonce comme le rêve inachevé des utopies indépendantistes des années 1960. À la fin du parcours, Arab Spring est une mise en scène d’un réel de l’art devenu destruction.

Entre ces destructions – reconstructions, des îlots séquencent le parcours. La précarité des architectures de Tadashi Kawamata se fond dans l’environnement proche. Celles de Shigeru Ban sont une réponse « fragile » à la fragilité du monde. Les maquettes du projet de Daniel Libeskind mettent au jour le futur possible d’un quartier de Berlin resté en friche suite aux dommages de la guerre. L’Angel Catcher de John Hejduk, 1991, sculpture-prothèse monumentale, tente d’attraper les anges déchus de nos rêves. L’installation 1000 villages, 2015, de Massinissa Selmani est une critique amère du rêve utopique de l’Algérie des années 1970. Les photographies de Bernd & Hilla Becher observent les ruines de la société industrielle tandis que les photomontages d’Alina Slesinska & Eustachy Kossakowski sont une tentative de se détacher de l’idéologie moderniste. Ailleurs dans l’exposition, la « greffe » opérée par Daniel Buren dans le Cour du Palais Royal, à Paris, Les deux plateaux, 1986, intervient comme une scarification venant inverser et déformer l’architecture classique pour en révéler les soubassements.

L’exposition est l’occasion pour le visiteur de participer par son regard et par sa pensée à la réparation du monde que les œuvres de l’art et de l’architecture ne cessent de mettre en évidence.

Artistes et architectes de l’exposition
Kader Attia
Shigeru Ban
Daniel Buren
Bernd & Hilla Becher
John Hejduk
Tadashi Kawamata
Alina Slesinska & Eustachy Kossakowski
Minimaforms & Krzysztof Wodiczko
Daniel Libeskind
Miguel Palma
Massinissa Selmani
Charles Simonds

Ressources
Collection :
Kader Attia, Shigeru Ban, Bernd & Hilla Becher, Daniel Buren, John Hejduk, Tadashi Kawamata, Daniel Libeskind, Minimaforms (Theo Spyropoulos) et Krzysztof Wodiczko, Miguel Palma

Son point de départ est Alger, et plus généralement l’Algérie, qui a connu deux périodes de son histoire synonyme de volonté d’émancipation des peuples : la période postcoloniale autour des années 1970 où s’invite à Alger plusieurs mouvements révolutionnaires de pays d’Afrique, d’Europe et d’Amérique, et plus récemment, en 2019, où se produit une révolte nationale inattendue, qui prend communément le nom de « la révolution du sourire » par son caractère pacifiste.

Alger ne représente qu’un exemple récent de ce que traverse l’Afrique en termes de volontés de changements sociaux et politiques, car à l’instar des mouvements indépendantistes et révolutionnaires parus en Afrique dans les années 1950, qui trouvent d’ailleurs refuge à Alger, on assiste depuis 2011 à des révolutions et des révoltes endogènes, portées par une nouvelle jeunesse, dont la sphère virtuelle et les mouvements sociaux accompagnent la réappropriation de l’espace public, la rue, la place. Elles sont désireuses de libertés individuelle et collective, de réformes politiques, de meilleures conditions sociales et de travail, mais elles réclament particulièrement un changement de régime, la cessation de la corruption et de l’injustice. Si les révolutions de cette dernière décennie ne portent pas l’idéologie d’une union africaine, elles n’en demeurent pas moins similaires à celles des années 1950, en termes de volonté d’émancipation des peuples.

Nous chercherons à comprendre ce qui anime, depuis plusieurs décennies, le possible et le réel dans un continent, l’Afrique, qui « reste à ce jour l’unique endroit en capacité d’écouter le monde ». C’est la terre où tout peut arriver y compris, et surtout, la rencontre des ailleurs, le devenir commun, un Afropolitanisme qui lève enfin le voile sur l’échec de l’Universalisme et offre une nouvelle perspective. Longtemps terre des départs, l’Afrique est le continent de la diaspora aux déplacements voulus et souvent subis – il n’y a pas d’autre continent qui puisse autant affirmer qu’il « est au monde » – cette identité en a fait le lieu des confessions. L’Afrique est l’espace de l’écoute. Gigantesque parloir, on y vient, on y revient, pour se confesser de ses rêves colonialistes, de ses peurs, de ses fantasmes parfois. Dans ce vacarme de ceux qui parlent, l’Afrique attend qu’on l’écoute.

Alors ! comment poser sa vieille carcasse là où il n’y a plus de souvenir de nous ? La question est abyssale, et seules les œuvres se risquent pour nous dans ces profondeurs.
Il en est ainsi des mondes invisibles de Brigitte Mahlknecht. Le travail concerne la façon dont nous nous déplaçons dans le monde et la façon dont les différents endroits se chevauchent dans nos souvenirs. L’artiste dessine un monde impossible à voir, une demeure qui pourrait accueillir ceux qui passent.

L’immunité assurée par l’aura de la technologie, en apparence non-idéologique, permet au Centre d’impulser un élan sans précédent à l’innovation espagnole restée en gestation. S’ensuit une double rupture : l’effondrement du bloc culturel imposé par le régime politique ; la disparition des frontières entre les différents champs de la création, ouvrant l’expérimentation à de nouvelles voies d’expression.

L’exposition, déploie de manière exhaustive, l’œuvre historique de Javier Seguí de la Riva, et forme le corpus nécessaire pour comprendre le contexte de l’époque et relier entre elles les œuvres des architectes et des artistes dans un questionnement permanent autour des cohabitations entre imaginaire et expérimentation.

Quant aux formes en mouvement de Jose Luis Alexanco, elles côtoient les Figures impossibles de José María Yturralde, en dialogue avec la poésie d’Ignacio Gómez de Liaño.

Avec les œuvres de : José Luis Alexanco, Manuel Barbadillo, Ana Buenaventura, Luis De Pablo, José Miguel de Prada Poole, José Luís Gómez Perale, Ignacio Gómez de Liaño, Luis Garcia Núñez Lugán, Abel Martín, Juan Navarro Baldeweg, Enrique Salamanca, Guillermo Searle, Eusebio Sempere, Francisco Javier Seguí de la Riva, Soledad Sevilla, José María Yturralde

Commissariat : Mónica García Martinez et Abdelkader Damani

Avec le soutien d’Acción Cultural Española (AC/E)
à travers le Programme for the Internationalisation of Spanish Culture (PICE),
dans le cadre des Mobility Grants

L’exposition inverse ainsi la perspective « futurologique » régulièrement attachée à la collection du Frac Centre-Val de Loire. La « prospective » dénote souvent une obsession pour l’innovation et la table rase. Elle succombe à une forme de fuite en avant propre aux avant-gardes, qui ne cessent de rejouer la querelle des Anciens et des Modernes.

Pourtant, nul ne peut s’empêcher de retracer d’où il vient. Projeter l’avenir, c’est toujours proposer une « cosmogonie », c’est écrire une genèse à partir d’un commencement pour envisager une issue. L’architecture expérimentale apparaît alors comme une rediscussion des fondements de toute chose – une arkhè – ouvrant à la multitude des mondes possibles. Sans jamais trancher.
Avec les œuvres de : BIOTHING, Aristide Antonas, Cavart, Coop Himmelb(l)au, Hans Hollein, Haus-Rucker-Co, Riccardo Dalisi, François Dallegret, David George Emmerich, Yona Friedman, Vittorio Giorgini, David Greene (Archigram), Günter Günschel, Angela Hareiter, Haus-Rucker-Co, Martin Honert, Wes Jones, Dušan Kuzma, Ugo La Pietra, František Lesák, María Mallo, OCEAN Design Research Association, Walter Pichler, Arthur Quarmby, Franco Raggi, Philippe Rahm, Charles Simonds, Olivier Seguin, Ettore Sottsass Jr., Superstudio, Piere Székely

Comprenant plus de 80 dessins ainsi que la maquette réalisée pour l’occasion, le projet témoigne de l’approche plasticienne de ce peintre de formation qui entend l’architecture et l’expérience de l’espace par la sculpture et la peinture.

Le projet de Chanéac est diamétralement opposé à celui des lauréats Renzo Piano et Richard Rogers inauguré en 1977. Chanéac imagine une structure organique complexe à partir d’un arc jaillissant et d’un arc enveloppant : de grands volumes courbes de tailles variées, opaques ou transparents et enchevêtrés les uns dans les autres, se déploient sur l’ensemble de l’esplanade autour d’un plan d’eau.

Chanéac plaide pour une architecture « sculpture et paysage, palpitante (…), riche et complexe en opposition radicale avec une philosophie architecturale qui veut créer des volumes très neutres pour s’effacer devant les œuvres qu’elle abrite ». Elle doit selon lui « déclencher des expérimentations audio-visuelles » et générer des utilisations multiples et inattendues.

Ressources

L’ensemble de ces collaborations, de ces labels, des ces dispositifs constituent les fragments de New-Territories, une matrice qui depuis 1993 les génère, les mets en sommeil et les active.
« eILe Pr_FAIRE la FICTION », le titre de l’exposition annonce d’emblée deux postulats qui sous-tendent le propos : d’une part, la figure de l’androgyne, d’Aphrodite, un être qui se refuse au genre et de fait se refuse à dominer les territoires, à dominer par la forme, à dominer avec la matière. D’autre part, « Faire la Fiction » comme mode opératoire pour faire le monde, l’écrire en scénario. Refusant toute forme d’enfermement, New-Territories vit dans un état de migration permanente ; toujours ailleurs, ailleurs en géographie, mais aussi – et toujours – au centre même de l’architecture comme une zone magnétique qui collabore mêlant à l’architecture, le cinéma, l’écriture et la collaboration avec les artistes, avec les philosophes, les biologistes, les mathématiciens, parfois les architectes… C’est une structure poreuse, ouverte… au monde.

Ayant saisi, dès 1990, tout le potentiel des technologies numériques, New-Territories n’a cependant eu de cesse d’en révéler les désordres et les limites. L’architecture n’est pas affaire de projection, elle est une histoire de « distorsion du réel » affirme New-Territories.

Dans « eILe Pr_FAIRE la FICTION », le public est invité à embarquer pour une « odyssée paranoïaque » au travers d’une série de projets historiques (pour majeure partie conservés en collection du Frac Centre–Val de Loire), et de scénarios « anthropotechniques » – le plus récent de New-Territories, sous le label M4 (mindmachinemakingmyths).

Une pièce inédite, produite spécifiquement pour un des espaces des Turbulences, questionne à nouveau, via des procédures robotiques et computationnelles, la perte de contrôle, l’affranchissement du design préalable. Il est question d’un dispositif incertain en train de se « Faire », réactif et en temps réel substituant contingences et artefacts aux modélisations 3D.

L’exposition brouillera la chronologie au profit d’une lecture non linéaire, à la fois géographique et psychanalytique des projets. Elle traquera la permanence de certaines stratégies architecturales et technologiques, les obsessions de l’architecte, les attitudes et les dispositifs sous-tendant à chaque fois un rapport renouvelé au monde, dans ses dimensions biologiques, politiques et techniques.

Des voix off, des lignes de fuite, des modes opératoires, des dispositifs machinistes aux creux de stratégies critiques nous guident et nous abandonnent dans une ritournelle fiction / réel.

Pour clore et ouvrir, un livre d’entretien avec Sylvia Lavin (historienne et critique d’architecture), Jeffrey Kipnis (historien et critique de l’architecture), Cynthia Davidson (critique d’architecture et éditrice), Greg Lynn (architecte), Bart Lootsma (historien et critique d’architecture), Hans Ullrich Obrist (commissaire d’exposition), Bruce Sterling (écrivain), Stephanie Lavaux (Associée et Artiste) et d’autres encore… est édité à l’occasion. Il pose directement et littéralement la question de celui qui s’énonce comme le secrétaire particulier de « New-Territories » : « _Qui êtes vous François Roche ? ».

Commissariat : Abdelkader Damani (directeur du Frac Centre-Val de Loire) et New-Territories

*New-Territories, agence d’architecture – laboratoire protéiforme
New-Territories est une agence d’architecture polymorphe. Fondée en 1993, elle a adopté différentes étiquettes, appelations, stratégies et missions. New-Territories est dirigée par l’avatar androgyne et transgenre, _eILe_, qui autorise François Roche à écrire, parler et enseigner en son nom, comme un secrétaire personnel, « un fil d’Ariane de ce système ectoplasmique et esprit paranoïaque. »

www.new-territories.com/s_he_would_rather_do_FICTION_MAKer

www.instagram.com/s_hefictionmaker

Le public est accueilli par la Tenda Rossa de Franco Raggi. À l’image de la collection toute entière, cette œuvre introduit l’exposition dans une forme d’errance créatrice, en croisant tout autant la peinture que la sculpture et l’architecture. Le visiteur, spectateur et acteur, parcourt l’exposition comme il déambule dans la ville. Cette place particulière de l’individu est notamment le propos de l’œuvre Paper / Midwestern Ocean de Gianni Pettena. L’artiste remplit une salle de bandes de papier que le public découpe pour se faire une place. Le spectateur devient partie prenante de l’œuvre.

Un peu plus loin, une ville imaginaire de l’artiste nigérian Emeka Ogboh plonge le spectateur dans un univers sonore captivant. « La ville au loin » se conclut par une fable, Medium total, de Günther Domenig et Eilfried Huth, un conte imaginant une architecture devenue organisme biologique mutant.

Ainsi, à travers quatre-vingts œuvres d’artistes et d’architectes, l’exposition est l’occasion d’une promenade urbaine du lointain et du proche. On y croise une Tour de Babel (Anthony Freestone), une cabine téléphonique (Slimane Raïs) ou encore un Skyline de tours.

Image : Luca Galofaro, Stazione spaziale – Ritorni, 2010
Collection Frac Centre-Val de Loire

Ressources
Collection :ACTAR Arquitectura, Chanéac, Günther Domenig & Eilfried Huth, David Georges Emmerich, Thom Faulders, Didier Fiúza Faustino, Vittorio Giorgini, Rodney Graham, Michael Graves, Angela Hareiter, Leonel Moura, François Roche New-Territories, Manfredi Nicoletti, OMA, Martin Pinchis, Franco Raggi, Aldo Loris Rossi, Ettore Sottsass Jr., SPAN, Pierre Székely, Emeka Ogboh, Peter Cook, DOGMA, Yona Friedman, IaN+, Ant Farm, Archizoom Associati, Louidgi Beltrame, Jordi Colomer, Aurélien Froment, Dora Garcia, Haus-Rucker-Co, Ugo La Pietra, Charlotte Moth, Julien Prévieux, Charles Simonds, UFO, Superstudio